Sí, señores, contra todo pronóstico, Mirror’s Edge me tiene absolutamente fascinado y me ha demostrado que un juego en primera persona puede ser absolutamente opuesto a esos juegos de disparos que tanto agradan a cierto público. Y es diferente a todos los niveles: cuando en los shooters se abusa de tonalidades grises y marrones y ambientación oscura, la ciudad de Mirror’s Edge es clara, luminosa y llena de vivos colores. Mientras en muchos juegos nuestro objetivo es avanzar en línea recta abatiendo a los enemigos, en Mirror’s Edge tendremos cierta libertad entre las cubiertas de los edificios. Mientras en el 90% de juegos la mayor parte de diversión consiste en matar, en Mirror’s Edge será más efectivo huir como una comadreja. ¡Hasta la protagonista contradice los cánones de belleza femenina establecidos por Lara Croft y es plana como una tabla!

Poder mirarse los pies: el privilegio de unas pocas heroinas de videojuego

Y mira que el tema del Parkour me escamaba un poco: tal como me pasa con el Skate y las acrobacias en bici, es algo que es muy chulo y muy bonito visto en youtube o en la pelis cuando la gente sabe lo que hace, pero ver como unos chavales intentan hacerlo en la plaza de tu barrio me da un poco de vergüenza ajena. Pero el Parkour en Mirror’s Edge es un poco lo de menos, un medio excelente para el primer juego de plataformas en primera persona que he tenido el placer de disfrutar: hay que reconocer que en los FPS el salto sirve para poco más que para sentirte como un títere al que le pegan un tirón, como si un gancho nos levantara medio metro para volvernos a dejar suavemente en el suelo de nuevo. Por eso pensaba que plataformas y primera persona no podían ir de la mano, y por eso ahora debo comerme mis palabras.

Tanta azotea y ninguna tía tomando el sol en pelotas

Y no es solo eso: el ritmo de Mirror’s Edge es totalmente trepidante, combinando momentos más tranquilitos, donde es necesaria más precisión en nuestras cabriolas, con tramos donde lo importante es avanzar, huyendo de nuestros perseguidores, sin importar demasiado nuestro itinerario. Hacía mucho tiempo que no me quedaba tan alucinado tras acabar un nivel como en los tres o cuatro capítulos que llevo jugados en Mirror’s Edge. Muchos diréis que eso es porque juego a demasiada basura y tanto juego malo me ha podrido el cerebro y los pulgares. Es posible, pero lo dudo: gracias a esa bazofia pixelada aprecio más un juego bien hecho: si siempre jugara a GOTY’s Triple A al final estaría discutiendo sobre qué versión es mejor y cual tiene las mejores texturas. Y, señores, demasiado tiempo he tardado en descubrir Mirror’s Edge como para perder el tiempo discutiendo chorradas.

Darse una hostia como ésta sí que no es ninguna chorrada

La lástima es que, también al contrario de los shooters de soldaditos marrones, Mirror’s Edge no funcionó tan bien como sus creadores esperaban y actualmente las versiones de consola están descatalogadas, pese a ser editado hace menos de 3 años, y solo nos queda la opción de recurrir a la segunda mano (como hice yo) para hacernos con él. Afortunadamente, hace poco se anunció que habrá segunda parte; sin lugar a dudas una buena noticia para los que creen que las volteretas y saltitos de Faith molan más que los de Ezio Auditore. La estaré esperando con ganas, y seguro que no seré el único.

Siento si ese párrafo ha resultado muy “voz en off” de cómic de superhéroes, pero últimamente estoy metido de lleno en el Spiderman de Straczynski (¡bam!, offtopic). El motivo de esta ida de olla es que, realmente, siento que Singularity no ha recibido el trato y la atención que merece, algo que intentaré remediar con estas líneas.

Singularity fue el último trabajo de Raven Software antes de que Activision la mandase a descapullar monos (o dicho de otra forma, a trabajar haciendo recaditos para los nuevos Call of Duty). Estos grandes de la industria tienen toda mi admiración tras haber engendrado cositas como los Hexen, Heretic, el primer Soldier of Fortune, algunos Jedi Knight (como mi amado Jedi Academy) o, más recientemente, Quake 4 o Wolfenstein. Aunque tienen títulos de todo tipo, la lista deja claro que están bastante curtidos en esto de los first person shooters. Que lleven en esto desde comienzos de los 90 se hace patente al ponernos manos a la obra con el juego que nos atañe, que aunque se apoya –y mucho- en producciones de estos últimos años, tiene ese aire clásico que tan poco se respira últimamente en el género.

La historia nos traslada a Katorga-12, una isla rusa en la que se experimentó durante la Guerra Fría con el denominado E99. La incorrecta manipulación de dicho elemento provoca la “singularidad”, una extraña manifestación que, entre otras cosas, deja el flujo espacio-temporal hecho unos zorros. Ya en 2010, entre pitos y flautas, unos soldados americanos se plantan en la isla tras el viaje que se lleva uno de sus satélites por culpa de este fenómeno, y ahí comienza la fiesta: el capitán Renko (useasé, el jugador) se mete de lleno en las instalaciones científicas y comienza a trasladarse –sin DeLorean ni nada– desde el presente a 1955, y viceversa.

Entre tanto, nuestro héroe se hace con un ilustre aparatejo que le permite ni más ni menos que manipular el tiempo a pequeña escala: pararlo, renovar o envejecer cosas (como escaleras estropeadas para que podamos usarlas), hacer lo propio con seres orgánicos, atracción de objetos, impulsos que paralicen o empujen a los enemigos… Se pueden hacer bastantes cosas molonas con el cacharro, y es aquí donde encontramos la primera gran inspiración del juego: Bioshock. Creo que toda persona que ha probado este título lo ha pensado, pero en mi humilde opinión, y más allá de la perspectiva y de la idea básica (joder, hasta esconde el arma cuando usa la mano de los “poderes”), Singularity tiene personalidad propia como para que no se le compare ni se le tache de poco original por ese nexo con la creación de Ken Levine.

La parte tradicional viene con todo aquello que no tiene algo que ver con controlar el tiempo. Para empezar, no hay nada más clásico que dar los primeros pasos con una pistola y, poco a poco, ir encontrando armas cada vez más tochas que se ajusten a los nuevos desafíos que se van presentando. Eso sí, la alegría se esfuma cuando descubrimos que solo podemos llevar dos armas a la vez. Es curioso que hayan tomado esa inexplicable decisión de diseño cuando tenemos otra, la de la vida, que es old school como pocas. Para curarnos necesitaremos botiquines que pueden acumularse y que han de utilizarse a mano cuando la barra de vida se resiente. También es necesario tener E99 para trastear con el DMT (el mini aparato que controla el tiempo) al más puro estilo Eve en Bioshock, así que su uso está algo limitado para que uno no vaya a lo loco liándola con los poderes.

La campaña tiene muy buenos momentos y, como viene siendo ritual en esta clase de experiencias, no dura una barbaridad aunque tampoco se queda corta. El anterior trabajo de la desarrolladora plasmado en el mediocre Wolfenstein (desintegrar nazis: +1, todo lo demás: -100) se traslada bastante bien a situaciones que Singularity –con un planteamiento en ocasiones similar– resuelve mejor. El título también se permite ponerse misterioso e, incluso, intenta asustar en alguna que otra parte que no desentona junto al resto de la acción, centrada en disparar a todo lo que se mueve (o no).

El multijugador, que está ahí porque algún genio pensó que todo videojuego habido y por haber ha de incluirlo si quiere ser considerado de la generación actual, tiene su gracia si todavía eres capaz de encontrar a alguien conectado. El planteamiento no es malo, sobre todo teniendo en cuenta que el título de Raven está claramente enfocado a la campaña (ya cuesta afirmar algo así), pero tampoco hace que te explote la cabeza. No es más que un bando –el de los humanos– contra otro –el de los mutantes/criaturas/whatever– dándose de leches o capturando unas balizas que uno de los equipos debe defender, todo con diferentes habilidades bastante majas y bien calibradas. Tan malo no será cuando Dead Space 2 lo ha copiado descaradamente, aunque tampoco es que estemos hablando de una producción que destaque por su vertiente online…

En definitiva, Singularity es algo diferente que cualquier jugón debería probar, aunque fuese de alquiler. Tiene suficiente como para contentar a aquellos que no quieren un FPS como los que salen a pares últimamente, sino algo más añejo; tiene también algo que ofrecer a los que buscan una historia diferente y no quieren ser soldaditos en mitad de una guerra moderna. ¡Tiene viajes en el tiempo! ¡Y gore! ¡Puedes hacer que un tipo pase a estar en los huesos simplemente señalándole, sin ponerle a dieta ni nada! Y lo mejor es que seguramente, a día de hoy, esté tirado de precio hasta en nuestro país, que ya es decir. Dadle una oportunidad, que seguro que os sorprende.

Demasiado viejo para un análisis, demasiado joven para un retro-amor, demasiado pronto para que caiga en el olvido… ¿Por qué? No es una obra maestra; ni siquiera lo situaría entre uno los cartuchos imprescindibles de Nintendo-mequedancuatrotelediarios-DS. No obstante, sí encuentro que sería una tremenda injusticia que este singular cartucho (o archivo .nds, como dicen los cenutrios) se ahogase entre el indecente montón de títulos que han recorrido los circuitos de la doble pantalla de Nintendo. Injusto, obviamente, para aquellos que puedan estar interesados en apuestas tan arriesgadas como románticas y naiv. Lock’s Quest pertenece a esa rara estirpe de videojuegos que, pese a sus defectos, le obligan a uno a comprometerse con él hasta alcanzar el final de la partida.

La combinación de géneros de Lock’s Quest, básicamente un tower defense con pinceladas de estrategia a tiempo real y RPG básico (tanto que me da vergüenza escribir las siglas RPG), me recuerda al cocktail “Spanish Pelotazo” que inventamos hace ya largo tiempo un buen amigo y servidor con el fin de emborrachar a unas alemanas de pasar un fin de semana de risas y fiesta. En primera instancia el combinado sabe bien, es vistoso y refrescante… pero el pelotazo las consecuencias etílicas se dejan notar demasiado pronto y la resaca consiguiente no se la deseo a nadie. La combinación de elementos conocidos no siempre ofrece un resultado óptimo.

No os toméis el símil al pie de la letra. Lock’s Quest no os provocará resacas y el invento es lo suficientemente satisfactorio como para darle una oportunidad o dos… y más si os enganchan los juegos de construir toda clase de defensas antes de que os asedien oleadas de enemigos; un género tan prolífico en Internet como simbólico en el catálogo de la portátil de Nintendo. Algo incomprensible si tenemos en cuenta las posibilidades que ofrece el stylus y la pantalla táctil. El memorable Ninjatown ya demostró que, con un poco de gracia y mucho morro, se podía llevar a cabo un tower defense como la copa de un pino sin tener que recurrir a grandes alardes técnicos ni complejidades fuera del alcance de NDS.

Lock’s Quest ambiciona más que Ninjatown. Propone una historia más pretenciosa (sobre el papel, ya que recurre a los tópicos de siempre), exploración en pequeñas dosis, algún que otro mini-juego, mayor adquisición de armas y técnicas de combate, gráficos vistosos y otros detalles que comentaré más adelante. Intenta abarcar mucho y lo hace con sentido; da el pego durante las primeras horas. No obstante, tras finalizar su único modo de juego (la aventura no es demasiado larga), a uno le invade la sensación de haberse quedado a medias en todo.

¡Combo!

Vayamos por partes. La trama no merece más de un frase. ¿Os suena aquello de un reino en peligro, un misterioso enemigo, una orden de guerreros y un Elegido cuyo pasado está íntimamente ligado al del enemigo? Pues eso es lo que encontraréis. Es más, no os hará falta pasar de la intro para convenceros de que no estáis a punto de descubrir el guión de vuestra vida. No importaría si se tratase única y exclusivamente de un tower defense convencional; pero lastra considerablemente su parte “errepejera”, provocándonos esa fastidiosa certeza de encontrarnos ante un camino que hemos recorrido un sinfín de veces. ¿Por qué esa necesidad de inundar nuestro tiempo con diálogos insulsos y refritos varios? ¿Por qué el vano intento de otorgarle una profundidad que es a todas luces falsa? ¿Por qué ceñirse a eso cuando el medio permite imaginar más allá?

En cuanto al look se refiere, Lock’s Quest cumple de sobras. La temática elegida, entre medieval y steampunk, cumple y sus gráficos transpiran un tufillo a 16 bits que sólo la peña sin corazón puede negarse a echar una partidilla. Simpáticos personajes super deformed, variedad de enemigos, competente diseño de niveles, esa perspectiva isométrica que tan cachondo nos pone a algunos, una paleta de colores ajustada, fondo y sprites definidos… sin pijerías, pero realizado con hamor. Por otro lado, cabe destacar que todas las acciones (manejar al personaje, navegar entre menús, levantar defensas y combatir enemigos) las realizaremos mediante el stylus y la cruceta, encargada de mover la cámara para situarnos en el punto elegido del mapa. Simple y, lo más importante, muy bien implementado. Rara vez nos putearemos por culpa del control.

In game la acción se divide en tres fases: exploración, preparación de defensas y batalla. Durante la primera, estaremos ante el típico “maneja a un monigotillo y comunícate para desencadenar eventos”. La intención no es mala. Sobre el papel, la opción de hallar nuevos items, técnicas y conocimientos varios mediante una propuesta de espíritu RPG resulta bastante golosa. Lástima que la incapacidad de los guionistas de turno conviertan este acierto en algo menos que un suplicio.
Durante la fase de construcción, atacando al fin la chicha, el juego entra en su fase más lograda. Dispondremos de energía y tiempo limitados para edificar toda clase de muros, compuertas, torretas y trampas con el fin de defender nuestro territorio del asedio de las tropas enemigas (nada nuevo en el mundo de los videojuegos, pero sí en el pequeño planeta DS). A la hora de levantar nuestras defensas tendremos que tener en cuenta factores tales como el terreno (de dimensiones considerables) y sus accidentes geográficos, el objetivo al que debemos proteger (damas, soldados, fuentes de energía, porticones…etc) y, por supuesto, el tiempo y la energía disponible. Finalmente, durante la fase de invasión nuestra misión consistirá en atacar mediante combos a los enemigos que creamos conveniente o bien reparar nuestras defensas. Sin duda, los momentos que exigirán más destreza de stylus.

Exploración, mini-juegos, preparación y batalla… 4 pasos que parecen sacados de un libro de auto-ayuda

En líneas generales, Lock’s Quest no está nada mal. Su banda sonora está curradilla y soporta las repeticiones, mini-juegos como manejar una torre de defensa aportan variedad, en general resulta agradable a la vista, su curva de dificultad satisfará a patosos y a diestros y denota una voluntad por hacer las cosas bien en todo momento. ¿Qué falla? Volvemos al símil del “Spanish pelotazo”. Todos los ingredientes, a excepción de su trillada trama y las ilustraciones que adornan los diálogos (simplemente nefastas) son apetecibles; pero su mezcla no alcanza las cotas de excelencia que, puestos a soñar, cabría esperar. Al loro, no digo que no se deba intentar la combinación de géneros; es más, la aplaudo a rabiar. El problema reside en no mesurar bien las cantidades; intentar abrazar demasiados componentes a la vez y perder un poco de sustancia (de ritmo, en este caso). Con todo, no quiero acabar el texto sin animaros a probarlo. Al fin y al cabo, por su propuesta y su ejecución, Lock’s Quest merece despuntar entre las toneladas de morralla que acumula el mareante catálogo de DS.

Con un par de alemanas y unos “spanish pelotazo” conseguiréis imágenes como ésta

Hace unos años, cuando alguien nombraba la saga Shin Megami Tensei (Megaten de ahora en adelante) el gentío se quedaba rallado ante unas palabrejas con sabor oriental que no sonaban a nadie, servidor incluido. No fue hasta el desembarco en PlayStation 2 de SMT: Lucifer’s Call cuando Europa empieza a tener en cuenta a la tercera saga más vendida de RPGs en tierras niponas. Pero el nombre seguía sonando a chino. Es entonces cuando uno de los spin-offs de Megaten salió al mercado y tanto los yankis como los europeos se pusieron a lamerle el ojal a Atlus. Persona 3 era el nombre del jueguico que cosechó buenas críticas allá donde fuera. Seguramente esto se debió a que la mayoría de jugadores de JRPGs pedían algo diferente y la saga Megaten se lo supo dar. Eso sí, sintiéndolo mucho, he de decir que el primer juego lanzado en PS2, Lucifer’s Call, es infinitamente mejor a Persona 3, 4 y su madre en bragas. Lo malo que la excesiva dureza ante el usuario (una dificultad de todo menos bonita) no convenció al resto de los mortales. Al menos, a Andresito sí.

Después del éxito cosechado por Persona 3 y 4, Atlus pareció no tenerle miedo a esto de sacar su buque insignia fuera de Japón (recordemos que en Europa no supimos nada de esta saga hasta el ya mencionado Lucifer’s Call) y se atrevió a lanzar un nuevo juego del universo Megaten para la mejor consola de esta generación: Nintendo DS. Devil Survivor es otro de los muchos spin offs ajenos a lo que es la saga principal de Shin Megami Tensei. Y aunque sea un spin off, todos los títulos bajo el auspicio de Megaten, comparten una mitología propia así como unas características que los hacen diferentes respecto a otros JRPGs. Y Devil Survivor no iba a ser una excepción.

La capital de Japón ha sido aislada por el ejercito y no se puede salir de ella. Las causas son desconocidas hasta que nos encontramos con un grupo de demonios ansiosos por destriparnos y poder violar nuestros virginales anos. Por suerte, o desgracia, tenemos en nuestro poder un aparato tecnológico de gran parecido a la Nintendo DS (guiño, guiño) que nos permite entablar un contrato con varios demonios para poder luchar contra otros. Este aparato nos lo ha dado nuestro primo que es un tremebundo hijo de puta y que no sabemos que quiere de nosotros. Para más inri, cada mañana despertamos con un mensaje donde aparecen las fatalidades que van a ocurrir ese día en la ciudad; como pueden ser la matanza de civiles, la lucha entre otros poseedores del mismo aparato tecnológico que nosotros, llamado COMP, o nuestra propia muerte. Como comprenderéis, no vamos a dejar que esto suceda, o mejor dicho, vamos a elegir nosotros que queremos que suceda.

Bajo un aspecto un tanto aniñado, más propio del anime (su autor es Suzuhito Yasuda), se esconde uno de esos juegos que son mucho más complejos de lo que parecen a primera vista. Y no solo porque sea un juego muy japonés, en todos sus sentidos, con una dificultad que te hará cagar sangre en cada combate, si no porque la trama es bastante complicada, por lo que no es recomendable para niños de 14 o 15 años porque, sinceramente, no se van a enterar de una mierda de lo que ocurre en pantalla. No llega al nivel de complejidad de otros capítulos de la saga con sus idas de olla filosofales pero el propio hecho de poder cargarte a Dios y convertirte en el nuevo jodido amo del mundo, no es una decisión que se suele tomar en la mayoría de juegos que hay en el mercado. Y no creo que esos tiernos adolescentes sean lo suficientemente maduros para este tipo de juegos, tal como ya dijo Carca.

Devil Survivor es un juego muy nipón y es por ello que el género no podía ser otro que el SRPG que tanto cala entre las masas amarillas. La secuencia jugable se repite día tras día: despertamos junto a un mensaje que nos dice los hechos importantes que van a ocurrir esa jornada y nos ponemos manos a la obra a investigar entre las distintas localizaciones disponibles mediante menús estáticos. Puede sonar aburrido, pero el nivel de diálogos está bastante logrado y es difícil no quedar prendado con el entramado argumental que han tejido sus guionistas. Cada acto importante que realicemos consume 30 minutos de nuestro reloj y como nos despistemos podemos obviar alguna hora señalada en el dichoso e-mail vaticinador de cada mañana. Y si, la mayoría de acciones tienen consecuencias importantes en el desarrollo del juego como pueden ser la unión de unos personajes u otros a nuestro equipo, o incluso la muerte de esos personajes.

El sistema de batalla es bastante original y adictivo: cada uno de nuestros personajes humanos es el líder de un equipo formado por ellos mismos y dos demonios que habremos adquirido mediante su compra a través de una subasta o gracias a la fusión de diferentes entes, elemento más que representativo de la saga Megaten. Así que toca salir a un campo de batalla mostrado en vista isométrica en donde nos enfrentemos a nuestros rivales. Cuando uno de nuestros personajes se enfrenta a alguien, el juego pasa a primera persona en un combate propio de los juegos de rol japoneses por turnos. Es importante hacer equipos equilibrados ya que cada demonio tiene sus distintas habilidades, además de una capacidad especial que es crucial en la mayoría de batallas. No podemos olvidarnos de lo importante que son las fortalezas y debilidades elementales en el universo Megaten y aquí vuelven a cobrar importancia de manera crucial. El elegir un demonio u otro es trascendental en la mayoría de enfrentamientos en los que participaremos en Devil Survivor, ya que puede suponer el fin de la partida. Algo con lo que me he visto tristemente en demasiadas ocasiones.

Además, las batallas no se desarrollan todas de la misma forma ya que tendremos diferentes objetivos a realizar. Mientras que en muchas partidas es probable que tengamos que matar a todo demonio que se ponga frente a nosotros, en otras tendremos que rescatar y proteger a los indefensos civiles (misiones hijas de puta donde las haya) o, por ejemplo, tener que elegir si atacar al bando demoniaco o al bando de los ángeles que se están masacrando entre ellos, con nosotros como espectador de lujo.

No puedo hacer otra cosa que arrodillarme ante este sobresaliente juego. Cuando la mayoría de juegos de rol parecen condenados al ostracismo, aparece Atlus y se saca de la manga una pequeña obra maestra en el año 2009. Si los múltiples finales, la banda sonora tan rockera como osom, su larga duración, las sectas comecerebros que aparecen, la originalidad en los combates, sus jefes finales que ocupan varias casillas de su grotesco tamaño y el carisma que desprenden la personalidad de los personajes, aunque sean un tanto emos, (atentos a Yuzu y a sus primas pequeñas) no os convencen de jugarlo, poco más puedo hacer. Devil Survivor no es solo uno de los mejores juegos de rol de Nintendo DS, si no uno de los mejores que han salido en estos dos años que llevamos de PS3, 360 y Güi. Un juego complejo pero accesible, al contrario que el último capítulo de la saga Megaten, que hará las delicias de todos aquellos que quieran divertirse además de disfrutar de una historia cojonuda.

Hay juegos que parece que nacen con la etiqueta de cutrers guarripeichs. Subproductos que desde que lanzan su primer teaser ya parece que griten que nada bueno nos espera. Ya sea porque su ambientación huele de refrito de otro título con éxito, porque pertenece a una saga pobre  y sin expectativas o porque aprovechan el tirón de una serie/peli/personaje famoso para lanzarse como un producto de merchandising barato. O por todas estas cosas a la vez. Es el caso del juego que ahora nos ocupa, pero, al que si damos una oportunidad, podrá sorprendernos gratamente.

Efectivamente, es 50 cent follándose a Marcus Fénix en un escenario del Modern Warfare mientras piensa en The Club.

Porque… ¿es 50 cent Blood on the sand un buen juego? ¿Tiene un desarrollo profundo?¿Es que acaso rapea bien este negrata? Respondiendo primero a la última pregunta, diré que el señor Curtis Jackson rapea como si tuviera una polla en la boca. Respecto al juego, es un juego mediocre y simplote que se sabe mediocre y simplote, pero explota estas facetas ofreciendo una fórmula arcade cutre pero efectiva. Lo que llamaríamos un juego de serie b, una tan buena como olvidable elección a precio reducido.

La mecánica del juego, tal y como queda reflejado en el montaje, es… ay… esto… qué pereza explicarlo… TETACAS!

Ignition fue mi regalo de cumpleaños en 1997. Un año más tarde lo fue Theme Hospital y uno atrás Duke Nukem. Pero esas son historias completamente diferentes… El caso es que Ignition me cautivó desde el primer momento en que vi su portada, tan amarilla y llena de coches (ya sabéis que así se elegían los juegos antes). Así que cuando por fin en mi casa pude abrir su gran caja de cartón y comprobar que el CD-Rom era igualmente amarillo, supe que el juego no me iba a defraudar. Y no lo hizo. Pese a que un servidor los juegos de carreras, por norma general, le sudan bastante las pelotas, este no lo hizo. Y os voy a explicar por qué.

El motivo es muy simple: Ignition es un videojuego muy divertido. Su jugabilidad coge prestado algunos de los elementos que hicieron famoso a Death Rally y le añade el encantador estilo de los micromachines. El resultado es un título de carreras con perspectiva cenital en el que podemos conducir vehículos tan variopintos como un escarabajo, un autobús escolar, un mini, una flagoneta redneck, una cabina de camión, un coche de policía, un jeep de la cruz roja, un porsche, un camión monstruo, esta brutalidad y el mismísimo Ignition: un coche colorido, veloz como él solo y muy manejable. Cada uno, por supuesto, con sus respectivos atributos de aceleración, velocidad, manejo y turbo. Un turbo que puede ser usado de forma indiscriminada y se va recargando cada pocos segundos. Sencillo, efectivo y muy arcade. Como está mandao.

Echando la vista atrás, las siete pistas que incluye el juego se antojan algo escasas. Pero os juro que hace trece años me parecían una barbaridad. Y no imagináis el juego que pueden llegar a dar gracias a los múltiples atajos y elementos locuelos del escenario, que entre otras cosas te permitían saltar por encima de volcanes en erupción, cruzar cataratas a toda velocidad, saltar desde lo alto de montañas nevadas, o atravesar peligrosas vía de tren. Elementos que en muchos casos recuerdan a los ya vistos en juegos como Mario Kart, pero que por aquel entonces, a un jugador exclusivamente de PC, le dejaban el culo del revés. Y por si os los estáis preguntando, no, no es comparable en ningún aspecto a Wacky Wheels… que por otra parte se merecería un buen retro-amor para él sólo.

Digo que no es comparable a Wacky Wheels y que de Mario Kart solo tiene un aire en algunos elementos, porque a diferencia de en estos juegos, en Ignition nuestra elección de vehículo y habilidad son muy importantes. Mientras que en los primeros una buena racha de “power ups” puede catapultarte al primer puesto en media vuelta; en Ignition la total ausencia de potenciadores y el hecho de que todos los vehículos pueden usar el turbo de la misma manera, hacen que el orden de llegada a la línea de meta dependa exclusivamente de ti, de tu habilidad para esquivar rocas gigantes y de tu estrategia a la hora de usar los turbos.

Por último, en lo referente al apartado visual, que sé que suele preocupar a mucha gente, he de decir que el juego conserva su encanto. Sus polígonos, como es normal, resultan bastante toscos para los cánones actuales. Pero gracias al más que correcto uso del color le ocurre lo que a partir de hoy mismo llamaré “el efecto Mario Galaxy”, que básicamente consiste en suplir calidad técnica con buen diseño artístico. Lamentablemente en las escasas imágenes con una calidad decente que he encontrado no se aprecia demasiado que digamos… pero confiad en mi, es bonito.

Si os ha picado la curiosidad por esta pequeña joya de la velocidad en miniatura, lamento deciros que a día de hoy es casi imposible de conseguir de forma legal. No obstante, en este simpático enlace tenéis una demo de siete megas con la que podréis haceros una idea más precisa de lo que supone Ignition. Eso sí, yo en Windows 7 no la he conseguido hacer rular.

Big Bang Mini DS es, hablando en plata, un matamarcianos. Pero no uno cualquiera, no; ya que pertenece a esa rara y selecta extirpe de reinventores de la rueda. Toma los elementos clásicos del género y le suma las novedades justas para que nosotros, los usuarios, gocemos de una experiencia religiosa única. La definición que más y mejor se ajusta al juego es explosión de luces, colores y sonido. En ese sentido, el título elegido por Arkedo y South Peak Games no podía resultar más idóneo. Ya no por el fenómeno que formó nuestro universo, sino por lo que evocan las palabras Big Bang. Fuego, luminosidad, creación, destrucción…

Como un orgasmo

Pero…¿de qué va? A diferencia de otros juegos del género, aquí no dispondremos de una nave común sino de un ente (una hamorosa forma geométrica) que irá mutando a lo largo del viaje que nos propone la aventura. Un viaje que, por otro lado, realizaremos en un tren cuyo trayecto consta de diez estaciones (a su vez divididas en otras 10 paradas; o fases, como queráis llamarlas). Así recorremos parajes tales como Hong Kong, París, el Reino de los muertos, la Sabana africana o el más profundo de los abismos; entre otros. Al margen del modo arcade, también podremos optar por diversos modos (desafío, relax, on-line y algún otro que no he logrado desbloquear) que garantizan la dichosa rejugabilidad.

Primera parada: Hong Kong

Nuestros enemigos tampoco serán naves o monstruos galácticos; sino globos de colores (sí, como los de las ferias), macabras cabezas aladas surgidas de algún Castlevania, pingüinos jugadores de hockey sobre hielo, faraones que parecen recién salidos de un videoclip de Kraftwerk, máscaras africanas con muy mala hostia, guitarristas con pinta de espantapájaros, algún que otro sosias de Ultraman, cerdos voladores primos-hermanos del Parodius e invasores del espacio exterior con tanto o más carisma que los del planeta Serak, entre otros muchos. La variedad es tan abrumadora como sorprendente. Y no bastará con reventarlos, no; ya que, tras hacerlo, deberemos acudir raudos hacia los ítems (siempre estrellas) que dejen caer con el fin de rellenar una barra (situada en el lateral de la pantalla inferior) que deberemos completar si deseamos pasar de nivel; de lo contrario entraríamos en el más absurdo de los bucles  (es decir, repetiríamos una y otra vez la misma fase).

Como Abu Simbel… los faraones no están por ostias

Otro de los elementos diferenciales, y este es un punto clave, son las armas de las que dispondremos. Aquí no hay ni lásers, ni misiles tierra-aire, ni obuses que valgan; sino fuegos artificiales tan remolones como los que vemos durante las verbenas veraniegas. ¿Porqué es clave? Porque nuestro propio disparo supondrá un peligro para la vida de nuestro preciado ente; ya que por cada disparo que no acertemos, éste eclosionará contra el borde de la pantalla cual cohete de la noche de San Juan y correremos el riesgo de ser abrasados por sus chispas. Es decir, aquí no vale disparar a lo loco; puesto que, si lo hacemos, nos enfrentaremos a un número de proyectiles realmente obsceno que pondría a prueba los reflejos del mismísimo Valentino Rossi. Por cierto, a medida que avancemos, tendremos la posibilidad de realizar mejoras permanentes a nuestro disparo (cohetes teledirigidos, por ejemplo) y en cada fase obtendremos un poder especial (barreras, bucles, creación de bolas de fuego, etc…) cuya asimilación será vital si queremos superar con éxito los niveles.

You’re gonna be a star

Y pensaréis… ¿Qué coño nos está contando este tío que no hayamos visto ya? Ok, cambian la nave por una bolita, los enemigos por una fauna parida por putos frikis y el clásico disparo por un puñado de pólvora que encima nos puede joder.
Y yo os contesto: Aquí no se acaba el pastel.

Estamos ante el juego de DS que, a mi juicio, mejor implementa el control con el stylus que se haya visto hasta la fecha. Sí, hamijos, tanto el movimiento de nuestro ente como los disparos y los poderes los ejecutaremos únicamente con el stylus (si exceptuamos los botones R y L, encargados de las funciones especiales permanentes). Un control tan cómodo como intuitivo y preciso que, si bien no nos costará dominar (resulta tan fácil como encender una cerilla), es uno de los puntos más relevantes del juego. Al margen del peligro que supondrán las chispas generadas por nuestro propio armamento, el hecho de utilizar el stylus tanto para disparar como para desplazarnos con el fin de esquivar la lluvia de fuego y demás cascarrería que nos lancen desde ambas pantallas, exige un control del tempo (disparo – me muevo – esquivo) que lo distingue de otros ilustres títulos shoot’m up. Parece difícil, pero os garantizo que todos disfrutareís como gorrinos; desde el más torpe hasta el más hábil (su curva de dificultad es perfecta; exige pero deja jugar).

Os dejo con un hamoroso vídeo con el que lo vereís todo más claro; supongo y espero (al loro con el documento visual… juego al margen, el precoz analista es de lo más entrañable y diáfano que se pueda encontrar en la red. Es más, destila tanta ternura que me están entrando ganas de llorar).

Esto es hamor por los videojuegos y lo demás son chorradas

Para concluir este Descubriendo, tan sólo me resta alabar hasta la saciedad el diseño de cada fase y su particular banda sonora. Cada paraje goza de un diseño artístico exclusivo, de reminiscencias tan épicas que pondrán la “gallina de piel” al más nerd entre los nerds. De esta manera, nos encontraremos con guiños hacia algunos videojuegos de los años ochenta (la cuarta parada de nuestro viaje, Luxor), zonas dibujados con un trazo esquemático que recuerda a los de Gwendy Tartakovsky (la Sabana africana), luminosas recreaciones realistas de los neones de Hong Kong y una variedad cartoonesca digna de estudio. Puro hamor.

La imagen es caca; pero os prometo que, en movimiento, esta pantalla os hará trempar hasta límites grotescos

En lo que respecta a la banda sonora, tan sólo os diré que si os ponen palote grupos como Kid Koala, Boards of Canada o el mentado Kraftwerk (entre otras melodias que nada tienen que ver con el techno… o como me comentó un chaval en una fiesta pija, Intelligent dance music; manda huevos… bis), corred a una tienda y haceros con este cartucho. Lo encontraréis a precios irrisorios, oscila entre 15 y 19 €… algo que, si tenemos en cuenta la relación calidad-precio, puede considerarse gratuito (y no me seáis cenutrios… recordad lo discutido en el último 10 motivos para odiar ).

Creedme, vale la pena. Es una joya… pasó prácticamente desapercibida en su día, pero es la puta gloria. Con él alcanzaréis el Nirvana videojueguil. Si todavía no os he convencido, os dejo con otro vídeo que, puesto que no voy a poner nota alguna, refleja a la perfección mi estado de ánimo tras haber descubierto este fantabuloso cartucho.

“Drojas”, profanación, churris y juego… un día cualquiera en la redacción de EPI

Renegade Kid nos mostró lo que podía dar de sí la portátil de Nintendo con el inquietante Dementiun: The Ward, un juego de terror en primera persona que mezclaba elementos propios de un survival con la mecánica de cualquier FPS, apoyándose en la pantalla táctil de la consola para brindarnos una experiencia que aunque con diversos fallos, consiguió llamar la atención de bastantes usuarios. Con Moon, la fórmula sigue intacta, sólo que esta vez el transcurso de la aventura nos catapulta hasta la Luna, tomando prestados  elementos de películas como Alien, Naves Misteriosas, 2001: Odisea en el espacio o la misma Moon dirigida por Duncan Jones.

El resultado es un cartucho que al igual que Dementiun adolece de algunos claroscuros. Por una parte tenemos un excelente motor en 3D funcionando a la perfección en nuestra DS, sin ningún tipo de relentizaciones y que cumple de manera notable con su cometido, adaptándose a las limitaciones técnicas de la consola. Si amas clásicos del género como Quake o Doom, la apariencia de Moon te va a gustar. Por otra parte tenemos una repetición abusiva tanto de algunos escenarios como de los elementos que lo conforman. Esto, sumado a que el argumento no goza de demasiados giros, hacen que durante la recta final se pierda cierto interés, pero como digo, el sabor que tiene Moon a FPS primigenio hace que a más de uno esto le de igual.

El control es otro de los pilares fundamentales de la obra de Renegade Kid. Se trata de una combinación cruceta/stylus bastante acertada y suave, que no cansa tanto como la que vimos en Metroid Prime Hunters y se hace bastante amena. Otro de los puntos a destacar es la inquietante ambientación. Las instalaciones y los exteriores poseen ese puntillo oscuro que toda representación espacial tiene, con una sensación abrumadora de soledad e incertidumbre al no tener ni idea de los hechos que se están sucediendo.

Aunque Moon no innove en prácticamente nada, se agradecen algunas inclusiones como la del RAD, un mini-robot gracias al cual podremos acceder a lugares remotos, activar mecanismos lejanos, distraer enemigos y realizar todo el trabajo sucio en localizaciones a las que no podemos acceder de forma normal con el protagonista. Al mismo tiempo se incluyen algunos momentos a bordo de un boogie lunar con el que surcaremos la superficie del satélite disparando a todo lo que se nos ponga por delante.

Moon no es ni mucho menos un imprescindible de la consola, pero tiene un punto atractivo si buscas un FPS que vaya al grano, con las dosis justas de exploración y acción a través de futuristas escenarios plagados de lucecitas y oscuros pasillos. Si te gusta lo retro, tienes una DS y desde el Prime Hunters no encuentras un juego de acción en primera persona que te llene, quizás deberías darle una oportunidad a Moon. Si por el contrario es un género que ya te tiene quemado y el cual prefieres degustar en sobremesa, aléjate de él por que no te va a aportar absolutamente nada novedoso.

Spectral Force Genesis nos acerca a un género que poco a poco ha ido cayendo en el olvido, y que con representantes como la saga Romance of three kingdoms o el citado Dragon Force alcanzaron una nivel difícil de volver a repetir. El título de Idea Factory no llega ni mucho menos a la calidad de los más consagrados, pero es de agradecer que después de tantos años, una compañía haya decidio llevar a la portátil de Nintendo un tipo de juego para un público un tanto minoritario.

En él se reúnen todas las premisas básicas que podemos esperar en un juego de esta clase. Sobre un continente llamado Neverland, deberemos tejer una ambiciosa estrategia con nuestra nación, con el objetivo final de conquistar el resto de territorios. Para llegar a conseguir esta megalómana tarea tendremos a nuestra disposición un sistema mensual de fases. Cada uno de los doce meses que componen el año reune una serie de acciones que podemos llevar a cabo durante los mismos. Existen, por así decirlo, cinco tipos de fases distribuidas entre los doce meses.

Durante asuntos humanos podremos  asignar distintos cargos a nuestros generales, así como enviarlos en busca de otros mercenarios que se unan a nuestra causa. En contribuciones llevaremos a cabo tareas de comercio, donde compraremos y venderemos tres tipos de bienes cuyo precio irá variando cada mes, abasteceremos a nuestros generales con tropas y recaudaremos impuestos. Durante los asuntos exteriores realizaremos alianzas con otras naciones e intentaremos persuadir a otros generales para que se unan a nuestra causa. En estrategia usaremos nuestros recursos para fortificar nuestras ciudades e impulsar la economía y status del país, fundamental para atraer a nuevos reclutas. Finalmente en los meses de batalla podremos organizar un enfrentamiento con una determinada nación o llevar a cabo saqueos  y botines en territorios cercanos.

Cuando entremos en combate con un país deberemos seleccionar cuales de nuestros generales enviar al terreno de batalla. Existen tres categorías para los generales: de ataque, defensivos o magos. Las tropas y magias que cada uno de ellos utilizan son variadas y lógicamente tienen una serie de ventajas y desventajas. Si conseguimos reducir a cero el número de tropas de los generales a los que nos enfrentamos tendremos la posibilidad de comenzar un asedio para destruir las murallas  y hacernos con el control de la nación.

Los enfrentamientos se libran en tiempo real. En la pantalla superior se muestra la acción mientras que en la inferior se muestran los grupos de tropas que podremos organizar con el stylus enviándolas a luchar contra un determinado conjunto. Cuando estén en medio del enfrentamiento debemos vigilar una barra de carga que nos permite efectuar magias y movimientos especiales cuyos efectos van desde la disminución sustanciosa de tropas enemigas, hasta la inmovilización o la regeneración de nuestros soldados.

A priorio, Spectral Force Genesis es un juego que puede volverse repetitivo, no os lo voy a negar, ya que estaremos una y otra vez repitiendo las fases mientras organizamos nuestra estrategia, pero para los que como a mí se nos cayeron los lagrimones con Dragon Force, tenemos en este juego una oportunidad para matar el mono hasta que algún día SEGA se decida a sacar un nuevo capítulo. Sin duda un juego que puede acabar con tu paciencia y que está especialmente reservado para aquellos que disfrutan con el género. Si sabéis perdonarle los fallos que tiene, puede convertirse en un vicio considerable que os mantendrá enganchados durante horas.

Lo dicho  ilustres, personajes con transfondo, gráficos acertados, inesperadas relaciones y disputas entre reinos y un continente por dominar que aguarda en su interior una interesante cantidad de secretos y sorpresas que iremos descubriendo a medida que avanzamos en la trama. En el lado negativo, se encuentra totalmente en inglés y tanto la mecánica como el estilo puede hacerse tedioso si no te atraen esta clase de títulos.

Etrian Odyssey es una propuesta hárdcore para la consola con más porquería casual (y eso incluye el Wedding Planner de hatedpig). Una propuesta que no gustará a muchos, pero que encantará a unos pocos.

El juego consiste en la exploración del Laberinto de Yggdrasil, eliminando a todas las criaturas que vayamos encontrando por el camino. Al principio, “reclutaremos” a nuestros aventureros, eligiendo entre 7 clases de personajes (dos mas se desbloquean a medida que se avanza en la aventura) y, así a pelo, nos mandan al laberinto de Yggdrasil a buscarnos la vida.

La Entrada a Yggdrasil. El aura de tranquilidad es solo para despistar

Etrian Oddyssey recuerda poderosamente a los antiguos RPG, como podrían ser Wizardry, el primer Bard’s tale, Dungeon Master, los primeros Might & Magic, la saga Eye of the Beholder y muchos más aparecidos entre mediados de los 80 y principios de los 90. Juegos que se basaban en la exploración de mazmorras en vista subjetiva, siendo necesario muchas veces tener una hoja de papel cuadriculado al lado del PC para ir trazando un mapa y así no perdernos (hoy en día se tiene un rollo de papel de WC).

Mirad qué bonito y ordenado

En Etrian Oddyssey, la pantalla táctil de la Nintendo DS nos sirve para ir trazando ese mapa imprescindible para no perdernos en el laberinto plagado de monstruos, mientras que toda la acción se reproduce en la pantalla superior. Situaremos los tesoros, atajos, fuentes de recursos y los puntos donde nos encontramos con monstruos que nos eliminarán de forma más fácil que lo habitual.

Un topo como éste puede matar a toda tu pandila. Sí, un puto topo

Y he escrito “más fácil que lo habitual” porque Etrian Odyssey es jodido de cojones. Un encuentro aleatorio puede acabar fácilmente con la vida de nuestros aventureros. No nos quedará otro remedio que vagar y vagar, en busca de monstruos y objetos para así ganar experiencia y dinero, no para ser el más chulo de la mazmorra, sino para tener una mínima oportunidad de sobrevivir cuando descendamos al nivel inferior y descubramos monstruos mucho más fuertes que los que nos atacaban en el nivel superior.

Por esa desmedida dificultad, el poco atractivo de su sistema de juego (comparado con los cánones de hoy en día), la falta de una historia épica y un argumento trabajado y un apartado técnico bastante normalucho, Etrian Odissey es un juego que no gustará a la mayoría. Pero si eres de esa minoría Old School y echas de menos un reto en el terreno de los RPG’s, dale una oportunidad. Seguro que no te arrepientes.